凡作传世之文者，必先有传世之心 ——北京文化论坛“文艺精品与媒介传播”圆桌对话侧记
北京文化论坛“文艺精品与媒介传播”圆桌对话现场（图片由会议主办方提供）
9月15日下午，北京文化论坛“以文化人：文艺价值与社会生活”平行论坛迎来圆桌对话环节。其中第三场对话交流围绕“文艺精品与媒介传播”展开，北京电视艺术家协会副主席、爱奇艺创始人、爱奇艺首席执行官龚宇，北京歌华影视股份有限公司艺术总监、国家一级导演张永新，中国电影家协会副主席、北京电影家协会副主席、演员吴京，编剧何冀平四位嘉宾参与讨论。本场对话由中国电影家协会副主席、中国文艺评论家协会副主席、清华大学教授尹鸿主持。
凡作传世之文者，必先有传世之心。文艺创作从“高原”迈向“高峰”，离不开精品意识。在四位嘉宾眼中，何谓精品？在吴京看来，电影要成为精品，是一个系统工程。拍摄《巨齿鲨2》时，疫情期间吴京曾带着团队前往华纳片场，同好莱坞优秀电影人进行了一次深入交流，交流过程中他发现，中外电影人有一点是共同的，那就是要真的爱拍电影，“不爱这一行是没有办法长久生存的”。这一系统工程又包括了文化发展理念、政策、投资环境、工业生产环节、观众审美趣味等等，这些都会对电影创作产生巨大影响。吴京认为，很多是创作者无从把握的，但是要把可以把握的做好，比如体验生活、创新视听语言、培养新的人才团队等等。
“写不写得了是技巧，写不写得好是心。”何冀平现场谈到，出精品是编剧一生想要达到的目标。有些故事能够流传百年，关键还在于人物塑造得好。写精品、出精品，关键在塑造人物。但遗憾的是，许多作家、编剧的笔在写人物时往往就停住了，因为某种意义上，写人物是自己为难自己。此外，何冀平认为，精品不应该是沉沦的，而应洋溢着发光的人文精神，这种人文精神，是作家、编剧给予角色的价值和尊严。笔下的人物故事，应当能够引发观众共鸣，这样的价值才是有生命力的，这也是何冀平在创作每部作品时对自己的要求。
如何产生精品？龚宇以爱奇艺为例谈到以下四点：第一点是遵循平台定位，“青春阳光正能量，向上向善不迎合”。第二点是尊重艺术家。在爱奇艺有几十个工作室，制片人的主要职责是组织艺术家进行创作，而不是自己创作。精品的源泉和动力来自于艺术家。艺术家以感性为主导，这对艺术创作而言有很大价值，但是在创作中可能会有些自我，我们强调给艺术家足够空间，并在财务方面要有足够承受风险的能力去鼓励创新。同时，也要避免过度宣扬大数据分析、数据挖掘等，真正做到“帮忙不添乱”，我们会把市场信息量化给创作者，但不强求干涉创作。第三点是用技术手段加速中国影视工业化进程。技术手段能够让财务风险降到最低，让流程中的控制更有预见性、更透明。第四点是工匠精神，因为过去二三十年互联网蓬勃发展，在初期阶段难免会有短视行为，但是艺术创作这件事急不得，我们强调“一慢两快”：“一慢”是指开机前一定要慢；“两快”是指一切准备充分之后，杀青要快，要把剧本和其他相关设想真正落地，第二个快就是上线要快。但是，一切的快都来源于前面的慢。充分的准备、精雕细琢，才有产生精品的可能。
张永新回忆起当初拍摄《觉醒年代》的经历，动情地说道：“一部戏用不用心最终结果是天差地别。各个主创工种都应当众志成城朝着思想精深、艺术精湛、制作精良这一方向进发。”当时与《觉醒年代》同期在横店拍摄的剧组有86个，《觉醒年代》剧组精细到在现场摆放道具时，也要强调一个碗、一盏灯的美学格调，这在别的组中并不多见。“我们的工作人员被其他剧组的人笑道：不就是拍戏吗，一个杯子还讲什么美学啊？”张永新听说后告诉工作人员，“我们看谁笑到最后”。张永新和主创团队说的最多的话是：你想这个作品得到什么结果？在他看来，如果观众看完一部剧，愿意停一停、想一想，那这部作品才能够算得上精品之作。
在场嘉宾还结合自身工作特点，为行业寻求更新突破建言献策。
吴京参与了诸如《战狼》《流浪地球2》等多个头部电影的拍摄。在建设电影强国的新征程中，中国电影人要怎么做？他观察到，中国电影市场的差异化表现实现了档期内共赢。例如在刚刚结束的暑期档中，年轻导演对现实题材、社会热点的关注，展现中华优秀传统文化的动画片、神话片，以及宏大叙事与以小博大影片的共存等，共同助推了今年暑期档的繁荣景象。这些影片能够受到观众的喜爱与认可，并形成诸多小型分化市场，关键还在于高质量。吴京认为，这些作品也将激励他不断更新自己的创作理念，同时将大家的成功经验运用到他最擅长的动作电影中去。
历史题材如何找到同当代观众的心灵共鸣？何冀平感到，过去和现在互为参照，要用与时俱进的观念去看待历史。“写历史剧不是写历史，剧作家的任务是要把握历史精神，但不必被历史的事实所束缚。剧作家有其创作自由，可以对既往事实加以新的阐释和转化，从而把真实的古代精神翻译到现代。把作者的希望和畅想写进去，历史剧创作才会实现真正的飞跃。”
以《山海情》《觉醒年代》《功勋》等为代表，越来越多的主旋律题材作品实现了同观众的“双向奔赴”：创作者努力提升剧作品质，年轻观众追剧热捧。这类作品在传播上破了圈、在创作上有突破。普遍性的启示意义在哪里？张永新现场分享了他的创作经验。“主旋律题材创作者要清楚地知道当下年轻观众的所思所想。此外，一部戏无论是什么题材、讲述什么故事，最后还要落在对鲜活人物的塑造上。如果剧中人物面孔模糊、似曾相识，观众很有可能会弃剧。”张永新在创作《觉醒年代》时，坚持要让观众看到活生生的人。
最近一段时间，各个平台都在以不同方式、在不同场合表达“长期主义”的理念，互联网行业对未来影视创作趋势的理解又是怎样的呢？龚宇认为，网络视听进入一个全新阶段，事实上这一阶段早在疫情前就开始了，但是疫情的冲击让大家逐渐形成一个共识：跑马圈地的时代已经过去了。“那个时候过于依赖投资、大IP和流量演员，缺乏可持续发展的眼光。现在行业产生很多共识：作品‘由古转新’，过往古装剧的较大投入与创作人才慢慢转向现实题材；表达‘从天转地’，故事从悬浮落地，变得更加接地气；形式‘由长变短’，一方面是剧集‘注水’的情况少了，剧集集数普遍缩短了，另一方面是由于生活节奏加快，品质短剧集中涌现”。他坚信，伴随着行业与平台的共同成长，影视创作将在高质量发展的道路上稳步前行。
